Auf Wiedersehen!

¡El rey ha muerto!, y en la moda sin duda queda un gran vacío. Al no presentarse en la última colección de alta costura para Chanel, era ya el preámbulo de un próximo suceso. Descanse en paz, Karl Lagerfeld.

El “káiser” fue una de las últimas leyendas de la moda que se mantuvo activo. Vivió el “París de la Haute Couture”, tuvo contacto con otros grandes como Yves Saint Laurent, amigo de Valentino y revivió una marca considerada anticuada como Chanel convirtiéndola en la quinta esencia de la moda juvenil. A su vez, estuvo a cargo de Fendi, de su propia marca y de colaboraciones diversas. Se calcula que diseñaba 17 colecciones al año. No quedándose satisfecho sólo con diseñar, incursionó también en la fotografía y el cine.

Quienes lo conocieron, lo describieron como sarcástico, multifacético y vanidoso. Pero sin duda, fue un gran personaje, creativo, quien se atrevió a crear una carticatura de sí mismo. Fue un ávido lector y coleccionista de libros. Su biblioteca personal abraza cerca de 300,000 ejemplares.

foto: karl.com

Sus desfiles se convirtieron en verdaderos espectáculos muy exitosos. Introdujo el concepto de la “pasarela de viaje” y apoyó a los artesanos francesces con su proyecto de los desfiles Métiers d'Art.

Su edad era un misterio, él mantuvo siempre en incógnita ese detalle, sin embargo la información que circula en los medios europeos es que tenía 85 años al morir. Su deceso ocurrió hoy tras haber ingresado la noche antes al hospital. La causa, de momento, se desconoce.

Uno de sus lemas más frecuentes era “no hay que dejar de reinventarse” y tal vez por ello es que Anna Wintour le consideró como genio creativo. Ya en vida era todo un icono y fue citado en muchos libros de moda.

Hacer un listado de toda su contribución a la moda puede resultar redundante a lo que ya se ha publicado sobre él. Sin embargo, los invito a ver un documental interesante que la cadena alemana DW publicó hace tiempo sobre Lagerfeld y conocer un poco más de su personalidad.

El diseñador alemán Karl Lagerfeld | DW Documental

La nueva propuesta estética de Vogue México

Cuando Vogue México anunció que su portada para la edición de enero de éste año sería el rostro de una mujer mixteca muchas ideas asaltaron mi mente, por supuesto: satisfacción.

Y es que ahora es el turno de la belleza indígena para doblegar un poco los estándares establecidos. Insultos y comentarios racistas se rodean respecto a la osada portada. ¡Qué gran escándalo!

Pero es oportuno recordar, cuando hace 45 años Beverly Johnson fue la primera protagonista afroamericana de la tapa de Vogue y la reacción del público fue muy parecida.

Portada de Vogue para enero 2019, con fotografias de los hermanos Santigago y Mauricio, y el estilismo de Pamela Ocampo.

Cambiar los cánones de belleza no será fácil, tal vez sólo se logre algo de aceptación o bien, los ojos de los racistas se acostumbren a ver rostros cotidianos y diversos en algunas publicaciones de moda.

Yalitza Aparicio es el nombre de esa mixteca, quien no sólo posó para la revista más influyente de moda, sino ahora es una celebridad gracias al éxito alcanzado por participar en la película Roma dirigida y escrita por Alfonso Cuarón.

El filme ya ha obtenido galardones y abraza diez nominaciones a los premios Oscar, un gran hito en la historia del cine.

La cinta narra la historia de Cleo (Yalitza) una empleada doméstica en el México de los años setenta del siglo pasado. Sobre el filme hay mucho que contar y diversidad de publicaciones profundizan sobre ello. Realmente es un trabajo hermoso, los recursos fotográficos son diferentes y creativos. Y muy refrescante ver en el cine al México de verdad con su desorden y bullicio urbano, muy parecido a Guatemala. Ver los rostros de la gente común, tanto indígenas como los no indígenas. Con sus atuendos normales, no un estilo rebuscado.

Y no se trata de admirar un cierto “feísmo” de las urbes latinoamericanas, sino que es una realidad la cual no se puede ocultar.

Por su parte, Yalitza representa a la mayoría de mujeres en América Latina, es el común denominador, es lo que se ve por todos lados, es el prototipo de mujer etiquetado de “feo” por no asemejarse a la belleza canónica estereotipada.

No obstante, Aparicio ha captado curiosidad e interés, y en el ámbito de la moda se ha reflejado con los atuendos que la joven mixteca usa en sus apariciones públicas. Gucci y Dior ya la vistieron para las ediciones de Vogue México y Vanity Fair EEUU respectivamente.

La tercera via de la moda

Entre la Alta Costura y el Listo para vestir se encuentra una alternativa de la moda, la cual existe desde hace más de 30 años y muy pocos la conocen o la comprenden.

Me refiero al Prêt-à-Couture, Demi Couture o Prêt-à-Porter Deluxe. Al menos en Guatemala no es un término popular y tal vez por ello se acostumbra a calificar de alta costura a cualquier prenda que no sea deportiva o de calle.

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Y es que con la explosión de la comunicación digital la información de la moda llega en tiempo real, se conocen las tendencias del momento y mas. Las redes sociales invitan a presumir de una buena figura, un buen atuendo y por su puesto, que se note la marca del producto.

La semana de la moda en Guatemala ha cumplido su primer lustro y cada vez surgen nuevos diseñadores. Sin embargo, las marcas extranjeras siguen gobernando la tendencia de consumo en el país.

Carolina Herrera, por ejemplo, es considerada como "alta cosura" en Guatemala. Realmente no lo es, pero si es de lujo. Es decir, no es alta costura porque no cumple con los requerimientos que exige la cámara de la moda parisina, la cual protege el término Haute Couture. Tampoco es una firma de producción en masas. No obstante los precios de sus productos son altos para los guatemaltecos, lo cual la convierte en una marca casi exclusiva.

Sucede que Carolina Herrera como otras firmas ofrecen una línea de lujo con ediciones limitadas y realizadas con muy buena calidad, casi cerca a la alta costura. Además, cuentan con una categoría ligeramente más accesible de calidad estándar y más repeticiones del mismo diseño.

La primera gama forma parte del Prêt-à-Couture y la segunda del Prêt-à-Porter. Muchas marcas conocidas mundialmnte caminan por el mismo sendero. Oscar de la Renta es otro ejemplo, así también lo son casi todas las firmas italianas. Las mismas casas de Alta Costura cuentan con una línea levemente más asequible.

Y aunque ninguna de esas marcas se presenta como “demi couture”, realmente lo son. Posiblemente para no crear confusión en los clientes se siguen presentando bajo el Prêt-à-porter.

Foto: marquesa.com, Marchesa se ha caracterizado por vender productos de lujo sin ser alta costura.

¿Cómo reconocer una prenda Prêt-à-couture?

Al igual que la alta costura, la exclusividad, materiales de excelente calidad, acabados de primera y otros aspectos son factores determinantes.

La Alta Costura permite repetir un diseño, solamente uno en cada continente. La demi couture es más amplia, multiplica tenuemente sus diseños para cada sala de ventas que posean.

El trabajo artesanal es igual de importante en las dos. Pero la Semi Costura incluye elementos de la producción en masas.

El precio de las prendas de alta costura oscilan desde los 50 mil a 300 mil dólares estadounidenses aproximadamente. En la segunda categoría los precios rondan desde  los mil dólares y no superan los 50 mil dólares. (para formarse una idea de los precios viste Neiman Marcus)

Considerando las condiciones herméticas impuestas por la cámara de la moda francesa muchos diseñadores han buscado alternativas para presentar productos de buena calidad y de cierta exclusividad. Esta es la razón que llevó al nacimiento del Prêt-à-couture mas o menos en la séptima década del siglo pasado.

Y ante el auge del listo para vestir las casas de alta costura so pena de extinción total, también decidieron ofrecer una gama más accesible económicamente.

Por ello, esta tercera vía de la moda puede ser la mejor alternativa para aquellos diseñadores guatemaltecos en busca de ofrecer calidad y casi exclusividad.

Ropa de segunda mano: ¿moda o necesidad?

Después del terremoto de 1976 en Guatemala, además de carencias alimenticias y de vivienda, hubo necesidad de vestimentas, esto provocó la venta de ropa de segunda mano. Tres décadas después, algunos de éstos comercios cuentan con locales formales y son visitados por algunos amantes de la moda.

Para 1997, una nota del diario Prensa Libre informaba del auge de "las pacas" (mote usado popularmente para referirse a la venta de ropa usada), con una presencia notable en al menos 15 de los 22 departamentos del país.

Actualmente, éstas ventas ofrecen también accesorios y artículos para el hogar. Negocios exitosos como Megapaca, no solo tienen sucursales, además están acondicionados con parqueo.

                                    foto: megapaca, vista interior de las Megapacas

Promocionan los productos en sus vitrinas, con volantes y publicidad en redes sociales. Recientemente, Megapaca cerró una convocatoria para invitar a crear la nueva pubilcidad de la empresa ofreciendo premios como incentivos al ganador.  

De acuerdo con la nota del citado rotativo, el volúmen de las importaciones de ropa de segunda mano en el país ha aumentado en un 75 por ciento en los últimos años.

Controversia
No obstante, éstos lugares siguen siendo objeto de desconfianza para algunos debido la insalubridad que podrían presentar.

Antes de salir de Estados Unidos, las pacas son fumigadas aparentemente. Pero las condiciones en las que las prendas son exhibidas deja muchas dudas sobre algún control sanitario.

Generalmente, estas ropas se muestran arrugadas y malolientes. En los comercios más modestos las amontonan en el piso o en cajas.

                                                         foto: fabricateandmira

Impetigo, sarna y hongos son algunos de los padecimientos cutáneos que se pueden transmitir mediante los tejidos o por contacto directo de piel a piel.

Además los fabricantes locales de ropa y vendedores de prendas extranjeras nuevas han señalado de "competencia desleal" la presencia de las pacas de acuerdo a su exigua o nula imposición arancelaria.

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La moda de la paca
Sin mebargo, la paca es moda para aquellos guatemaltecos en busca de "tesoros". Las revistas de moda dan consejos de cómo buscar prendas valiosas.
 
Estas son aquellas de poco uso y con etiquetas de marcas famosas. No hay que confundir éstos negocios con las tiendas "vintage".
 
Se destaca el ahorro económico como un beneficio, el hecho de no encontrar ropa repetida como un extra a la exclusividad y originalidad.
Aun así, alertan de no comprar atuendos íntimos y preferir visitar tiendas de cierto prestigio.

¿Moda ecológica?
Mientras en América Latina el negocio de las prendas usadas son dirigidas a las clases pobres y sus condiciones pueden representar ciertos peligros a la salud, en países como Alemania ven en la ropa de segunda mano una opción sustentable.
 
Según una nota de la DW hay más de 10 mil tiendas de éste tipo en territorio germano. Los compradores llegan motivados por los precios bajos y por conciencia ecológica.
Resaltan el caso de una viuda y jubilada, quien recibe ropa de amigos y familiares. Ella vende las prendas los fines de semana y ve ésta actividad como un pasatiempo. Cuando llega alguien muy necesitado le regala las ropas. Y aunque sus ingresos son mínimos, la jubilada debe rendir cuentas al fisco.

El asfixiante mundo demiúrgico de un "Couturier"

Phantom Thread (El Hilo Fantasma) es la más reciente producción cinematográfica sobre el universo de la moda. Reconocida por la crítica como una obra de arte y ganadora de diferenentes premios, entre ellos, el Oscar al mejor diseño de vestuario. No obstante, el filme resulta para algunos un tanto aburrido y confuso.

Quien espera ver en Phantom Thread el lado conocido de la moda, se estrellará con algo totalmente diferente. Y es que ésta cinta cuenta con una estructura literaria compleja con una perspectiva hacia el interior y lo privado de la vida de un Costurero ya cimentado en su éxito y prestigio durante los años dorados de la Alta Costura.

Muestra la obsesión por la perfección y la emulación de la belleza absoluta que deben materializarse en un vestido. Paralelamente, el personaje principal, Reynolds Woodcock (el diseñador) permanece en un inerte y permanente luto por la pérdida física de su madre.

La hermana de Reynolds, Cyril, vive con él en una mansión y le ayuda en la administración financiera del negocio. En medio de ese ambiente funerario, Alma, una joven bella, de recursos más modestos y de carácter fuerte se cruza en sus vidas.

Enredado en sus prisiones supersticiosas, Reynolds integra a ésta chica a veces como su pareja sentimental y como su maniquí. Sin embargo, las personalidades de ambos son opuestas y disonantes.

La película se centra en la fuerte incapacidad de Reynolds por exteriorizar sus sentimientos y la lucha de su amada por no convertirse en un ornamento más de la mansión y para ello doblegará al gran señor de la moda despojándolo de la salud de su cuerpo para poder encontrar su alma.

El trabajo del director-productor Paul Thomas Anderson, sin duda es fascinante así como la calidad actoral de los intérpretes (Daniel Day-Lewis, Lesley Manville y Vicky Krieps), entre otros aspectos.

Es una obra fuera del cliché cuya historia nos revela lo difícil que es para el ser humano socializar y manejar episodios sentimentales de fuerte impacto y a la vez mantener la lucidez profesional en el trabajo.

Avances de Phantom Thread

Los símbolos de la moda

La elección de nuestra vestimenta y arreglo personal a menudo resulta en un acto cotidiano sin considerar el mensaje enviado a los demás. Alguna vez Honoré de Balzac dijo "el hombre que en la moda solo ve moda, es un tonto".

En la antigüedad, los atavíos y ornamentos respondieron a lo utilitario debido a los rigores del clima, a la necesidad de defensa ante el ataque de enemigos o bestias. Además conocemos el concepto religioso monoteísta del pudor, o bien los adornos como amuletos o talismanes contra poderes mágicos.

Sin embargo, hay evidencia del significado sexual del vestido. Según John C. Flügel ha existido un deseo de reforzar la atracción sexual y de atraer la atención sobre los órganos genitales. Este  cortejo sexual también se da en todos los animales.

Y es un análisis vigente en la actualidad, posiblemente mas fuerte en comparación al pasado. El indumento apoyado en la moda hace un juego dual entre lo visible y lo invisible al ojo.

Al respecto, Nicola Squicciarino en su libro "El vestido habla" señala que "El vestido femenino se hace sexualmente más seductor  y provocativo  que el propio desnudo" al referirse sobre las prendas seductoras femenidas como la minifalda, atuendos ceñidos a la silueta, así como el contoneo del cuerpo y el uso de zapatos de taco alto para acentuar las nalgas.

"Jugando con la transparencia y la alusión, los vestidos femeninos adquieren de esa forma, ese toque de misterio que hace que el cuerpo tenga una importancia mayor y que actúa de forma más eficaz sobre el deseo y la curiosidad del hombre", indica Squicciarino.

Roland Barthes concuerda con éste concepto al decir que la mujer seduce dejando entrever lo oculto.

La misma Coco Chanel conocía ese juego de seducción cuando redirigió la mirada del hombre hacia las pantorrillas femeninas con su revolucionario vestido tubo de los años 20. Exitosamente lo haría de nuevo en la siguiente década moviendo la mirada masculina hacia las delicadas espaldas de las féminas con las prendas de gala noctura.

Incluso Christian Dior, con el cargado simbolismo sexual del "new look" supo hacerlo sin caer en lo burdo.

Foto google. La controversial minifalda (o minivestido) viene causando furor desde hace más de medio siglo.

No obstante, de ese encanto elegante pasamos al descarado erotismo vulgar predominante de las últimas décadas. La minifalda, es tan aceptada como odiada con interpretaciones antagónicas.
Para algunas, es una prenda de liberación femenina, la cual simboliza el control y dominio de la mujer sobre su cuerpo. Para otros, la minifalda facilita al hombre el acceso sexual a la mujer. No debemos confundir la coquetería con el uso de atavíos de incitación sexual.

Por ello, debemos cuidar lo que vestimos, cómo y el contexto en el cual lo hacemos para no enviar mensajes equivocados. El vestido y la imagen personal interactúan en códigos visuales y a su vez se complementa con el lenguaje corporal y el entorno geográfico.

Foto Google. Algunas presentadoras de televisión en Guatemala hacen todo lo posible por destacar sus atributos físicos y acaparan a la audiencia masculina.

Pierre Bourdieu en su libro La Distinción explica que "El sistema de signos que cada cuerpo lleva consigo; el vestido, la pronunciación, el porte, la forma de andar constituyen el fundamento de las antipatías o simpatías".

Por su parte, Miguel A. Saldaña en El lenguaje de la imagen personal refiere que "Dentro de la marcada polarización e individualismo que ofrece el mundo actual, la mayoría de nosotros es sensible a la aprobación externa".

La minifalda, las prendas muy talladas, las muy escotadas, adicionado a los accesorios y maquillaje inadecuado se encuentran en un terreno minado.  Por lo tanto generan malestar en círculos de trabajo, religiosos, académicos, diplomáticos, etc.

Hay quienes se apoyan en la libertad individual de vestir lo que quiera, pero no podemos olvidar que la libertad tiene límites. Sería absurdo pensar en una libertad de expresión por cualquier medio sin importar si ofendemos, calumniamos, etc., incluso si con ello dañanamos la propia integridad.

Se cae en la irrespopnsabilidad de elegir la ropa a gusto sin importar si es apropiada en ciertos lugares u ocasiones, o bien, no a todos les sienta bien una prenda en específico. Toda acción provoca una reacción y con la presentación personal se pueden recibir o generar actitudes negativas como rechazos, ofensas, burlas, etc.

foto: Gobierno Guatemala. (de izq. a der. primera dama, Patricia de Morales, esposa del vicepresidente, Elizabeth Cortés, ex primera dama, Rosa María Leal y Ministra de Relaciones Exteriores, Sandra Jovel) El gobierno de Guatemala ha descuidado la asesoría de imagen para las mujeres en actividades de gobierno.

Depende del nivel de buen o mal gusto, es decir precisamos de un criterio racional y no emocional. La moda no impone, solo propone. El prestigio personal depende únicamente de nuestras elecciones.

Saldaña dice que "Conseguir y sostener una imagen personal que sirva positivamente a nuestra vida, implica "saber mirarnos", reconocer y destacar nuestras fortalezas y "saber elegir" los recursos que permiten minimizar los rasgos que son desfavorables  de nuestra apariencia...como deseamos ser mirados y como en realidad somo observados".

Lo que reflejamos con nuestra imagen es la presentación que damos a los demás y con ello ofrecemos información de nuestra personalidad.

Dice Squicciarino que "El vestido siempre significa algo, transmite importantes informaciones en relación con la edad, con el sexo, con el grupo étino al que el individuo pertenece, con su grado de religiosidad, de independencia con su originalidad o excentricidad, así como su concepción de la sexualidad y del cuerpo. El vestido puede emplearse para señalar la actitud hacia los demás, en particular el nivel de disponibilidad sexual, la agresividad, la rebeldía, la sumisión, la formalidad en el comportamiento; también se utiliza para distinguir el estatus social y económico y para compensar los sentimientos de inferioridad social".

Foto Google. Distintas concepciones del uso del traje sastre.

A modo de ejemplo, el traje sastre es casi el uniforme de trabajo universal para oficina y otras actividades. Pero no todos, tanto hombres como mujeres, saben usar dicha prenda con elegancia. Tampoco un traje va a garantizar transformar a una persona en profesional, honrada, etc. En el contexto laboral, muchas veces el traje adquiere solo una categoría de herramienta de trabajo.

A veces se incurre en el error de lo obsceno, desaliñado,  transgresor o lo ridículo, es decir, la moda a veces no ofrece opciones favorables. La clave es evitar perder la dignidad y la salud tanto física como mental.

Pero también es cierto que en las sociedades occidentales, por lo general, ya no se limitan las libertades para vestir. ¿Más tolerancia o narcisismo?, en gustos se ropen géneros, dice un dicho común.

*este artículo es a petición de uno de nuestros lectores.

Recordando a Madame Carven

Es un nombre poco conocido, incluso para los diseñadores de hoy, pero las mujeres menudas de antaño fueron tomadas en cuenta por Carven, quien ha dejado un gran legado en la moda.

La legendaria Madame Carven abrió su casa de Alta Costura en París en 1945 dedicándose exclusivamente a vestir mujeres de talla pequeña, quienes normalmente eran rechazadas por los Costureros de fama del momento.

Firmaba sus trabajos bajo el seudónimo de Marie-Louise Carven y cariñosamente se le llamaba Madame Carven, pero su verdadero nombre era Carmen de Tommaso.

                                                   Foto: google-EFE. Madame Carven.

Inició estudios en arquitectura y diseño de interiores en la Escuela de Bellas Artes de París. La comprensión de la proporción y las formas le serviría más adelante para sus creaciones de moda.
Ella misma personificó a la "petite femme" debido a su pequeña estatura. Carven estaba amenazada por los grandes estereotipos sociales y de la moda misma, por lo que decidió cambiarlos. Al principio diseñó su propia ropa y de sus amigas, y terminó siendo una autoridad en la industria.

Aunque se dice que los grandes costureros no la tomaron en cuenta como colega, París le reconoció su legado en la exposición de principios de siglo en el Museo Galliera y desde décadas anteriores ya se le había apodado "la pequeña de los grandes costureros".

En el 2010 declaró a Le Monde: “Fui una mujer pequeña entre grandes hombres. Si me aceptaron, fue solo porque creé un estilo sencillo. Yo no les molestaba en absoluto, porque trabajaba para las jóvenes de mi época”.

Y los libros de historia no hacen justicia al no reconocer que ésta dama fue una de las primeras en abrazar el prêt-à-porter casi década y media antes que lo hiciera Saint Laurent. O que ella fuera la primera costurera francesa en patentar el primer sostén "push-up", según lo explica el obituario de The Telegraph del 2015.

Y no solo diseñó, fue una auténtica empresaria. Fue también una de las primeras en promover sus diseños fuera del país realizando desfiles por México, Brasil, Marruecos y otros lejanos lugares para promocionar su marca.
                                          
Gracias a un sencillo vestido primaveral a rayas verde sobre fondo blanco sin mangas y de falda amplia creado por Carven, el verde esperanza entró exitosamente en la moda, color que hoy se conoce como verde carven. 

                                  Foto: google, el vestido que lanzó a la fama a Carven
Y siguiendo con la tradición de las fragancias, Carven también aportó un exquisito aroma con su perfume Ma Griffe, por supuesto, en un empaque verde.

En su cartera de clientas figuraron grandes artistas como Leslie Caron, Martine Carol, Zizi Jeanmaire y Edith Piaf. Además, creó el vestuario para varios filmes, los uniformes del equipo olímpico francés de 1976, del personal de la línea férrea Eurostar y de varias aerolíneas, entre otros trabajos.

Recibió la Orden de las Artes y las Letras en 1978 y la Legión de Honor en 2009. Su vida se extinguió en 2015 a los 105 años de edad, habiéndose retirado de la moda 21 años atrás.

¿Está desahuciada la sastrería en Guatemala?

Ser sastre en Guatemala no es algo que amerite admiración, su trabajo es altamente desvalorizado y delegado a las clases bajas, por lo que a muy pocos les interesa esa disciplina.

La triste situación que vive la sastrería guatemalteca es revelada por la revista dominical de Prensa Libre en una publicación de mayo de éste año.

En ella se cuenta la historia de Manolo y Manuel, dos sastres ubicados en un modesto local del deteriorado pasaje Aycinena en la zona uno capitalina.

Estos artesanos sesenteros narran que desde muy jóvenes vienen trabajando como sastres, pero en las últimas décadas la gente ya no muestra interés por los trajes a medida, por lo que sobreviven con trabajos menores.

Y lamentan el no tener aprendices para dar continuidad al negocio, pues la sabiduría de éstos sastres morirá con ellos. Esta es una de tantas historias similares a otras sastrerías del país.

Aproximadamente los sastres independientes cobran Q 600 (US$ 85) por la elaboración de un traje, sin contar los gastos del tejido. Las pocas sastrerías de "cierta categoría" cobran desde Q 1,500 (US$  214) hasta Q 3,000 (US$ 428).

Sin embargo, los trajes sastre siguen estando en voga, pero la preferencia se inclina por el listo-para-vestir (Q. 1,200 aprox., US$ 170) o de segunda mano.

Un arte despreciado

Mientras en Guatemala es signo de distinción adquirir un traje en Zara, Devred 1902 y otras. Londres se enorgullece de sus artesanos de Savile Row, tanto que lograr entrar a trabajar como aprendíz, no solo es difícil sino confiere un alto prestigio en la hoja de vida. Es que éste famoso grupo de calles londinense es para la moda elegante masculina lo que París es para las mujeres.

Foto: asuitthatfits, El legendario y elegante Sean Connery, tallándose un traje en Savile Row

Originalmente, los primeros sastres en Guatemala eran españoles peninsulares, pero con la imposición del sistema colonial y la diferenciación de castas, éste oficio se fue delegando despectivamente a los mestizos y a algunos mayas, según lo explica el historiador Severo Martínez.

Tal vez por ello es que la sastrería no ha adquirido un valor más justo y algunos negocios se dedican a la importación de prendas formales para el vestir masculino.

Las casas de sastrería más refinadas en Guatemala como Saúl E. Méndez, Emporium y Gilberto Miranda, por ejemplo, sólo ofrecen trajes a medida, no "bespoke". 

Esto puede deberse a la preparación muy básica que se ofrece en el país. El Instituto Técnico de Capacitación y Productividad, Intecap, brinda instrucción para sastres rasos. Para convertirse en uno de ellos sólo se requiere de un nivel mínimo de estudios de seis meses con espectativas de una oferta salarial muy baja.

En el pináculo de la mejor sastrería    

La expresión Alta Costura es reservada para la quintaesencia de la moda femenina, pero en la sastrería británica, la más calificada del mundo, se dice "bespoke", no lo traduzco porque su definición va más allá de lo que un diccionario puede ofrecer. Es un concepto londinense que engloba, hecho a medida y a mano con los mas finos tejidos (especialmente en lana Súper).

Se dice que la expresión "bespoke" es una especie de abreviación de "be spoken for", frase que los sastres usaban para marcar la tela de sus clientes, es decir, reservarla para un cliente en especial. 

La Savile Row Bespoke Association, ha creado un sistema riguroso de entrenamiento para el aprendizaje de sastre y cortador que puede extenderse hasta seis años.

Alexander McQueen trabajó como aprendíz en Anderson & Sheppard y Gieves & Hawkes. John Galliano lo hizo en Nutter. Ambos demostraron un conocimiento prodigioso de las técnicas sartoriales cuando entraron a la moda femenina.

                       foto: suitored.com, interior de los talleres de Anderson & Sheppard

Huntsman, una de las sastrerías más cotizadas de Savile Row, explica en una entrevista a GQ Magazine, que ofrecen tres categorías de trajes.

Lo más accesible es el listo-para-vestir con un valor de £2,200 por un traje de dos piezas. Luego el hecho-a-medida puede costar £2,900 y lo más sublime de la sastrería es el "bespoke" donde el precio se eleva a £4,997 (sin impuestos incluídos).

Este último requiere de un ejército de maestros del traje trabajando 60 horas a lo largo de ocho semanas, debido a que el atuendo es elaborado enteramante a mano.

Al decir "a medida", éstas sastrerías se refieren a que la prenda es personalizada pero construída ya sea totalmente a máquina o semi-manual.

Al igual que en la Alta Costura, los trajes requieren de sesiones de prueba y en vez del torso-maniquí, se traza el molde en papel y se conservan los de los clientes frecuentes.

El tipo de entretela también definirá el precio final del producto, dado que existen para adherirlas al género con vapor o unidas con puntadas a mano o a máquina.

Los tejidos exteriores también dirigirán los costos. Las lanas son las más utilizadas en sastrería, la calidad de su fibra y del tipo de animal son determinantes. Por supuesto que la seda es la favorita para la forrería.

                         Foto: Kinslager, variedad de lanas Súper, algunas mezcladas con cachemira, otra fibra de lujo en la moda.

Pero en Guatemala generalmente solo podemos encontrar tejidos mixtos, es decir, mezclas de lana corriente con acrílico o poliéster, o bien, totalmente sintéticas y lamentablemente a todas les llaman "casimires". Para los forros es casi imposible encontrar sedas.

¿Dónde estudiar moda en Guatemala?

Para estudiar moda en Guatemala las opciones son bastantes limitadas y dispares. Actualmente son cuatro las entidades que ofrecen educación formal sobre modas. Y aunque todas van dirigidas al sistema industrial, algunos centros aseguran impartir cursos de alta costura. 
Sin embargo, ningún establecimiento abarca toda la gama de profesiones que comprende la industria de la moda, pero en comparación al siglo anterior, lo que existe ya es un gran avance.
La calidad de cada casa de estudios depende del cuerpo docente y del empeño que el alumno muestre, además de nacer con el talento. En algunos casos se le dá más importancia a la tecnología como lo es el dibujo por computadora, tanto los bocetos, fichas técnicas y patronaje. En otros, las técnicas manuales cobran  más interés. Se incluyen u omiten cursos del plan de estudios dependiendo del enfoque que cada entidad le da a la carrera.

                                                              Foto: Pinterest
 
La opción de educarse en el extranjero sigue válida para los que se lo pueden permitir, o bien, estudian en Guatemala como carrera base y buscan especializarse en el exterior. Aquí les dejo una breve descripción de las alternativas para estudiar moda:

Universidad del Istmo (Unis)
 
Es una casa privada de pensamiento religioso católico con una fuerte influencia del controversial Opus Dei.  Fue creada en 1997 absorbiendo al desaparecido Instituto Femenino de Estudios Superiores (IFES), en el cual se encontraba la carrera de diseño de modas en calidad de técnico.
La licenciatura en Diseño Industrial de Vestuario está incrustada en la Facultad de Arquitectura. El costo mensual promedio es de Q3,300 (US $450 aprox.) y la duración de la carrera es de cuatro años y medio. Cuenta con dos sedes; una en la capital y otra en las afueras de la urbe en una zona acomodada.
vea el plan de estudios 
Sitio web Unis
 
Centro de modas Llatzer

Llatzer fue fundada en 1993. Es de capital privado y es la única dedicada exclusivamente a la moda. Sus planes de estudio están  autorizados por el Ministerio de Educación. Su sede se ubica en un sector de clase alta. La carrera principal es el técnico en diseño de modas (de dos años de duración), pero hay opciones en cursos libres como: patronaje industrial, patronaje por computadora, drapeado, diseño de accesorios. Entre los talleres que ofrecen están los de fotografía de modas, maquillaje y pasarela, y "personal shopper e image consulting". El costo mensual del técnico es aproximadamente la mitad de lo que cobra la Unis.
Sitio web Llatzer

Universidad Popular (UP)

Es una entidad privada de servicio público fundada en 1922. Se encuenrta localizada en el corazón del Centro Histórico de la ciudad. Ofrece diplomados en arte dramático, artes plásticas, culinaria, música y diseño de modas. Cuenta con aval jurídico autorizado por un acuerdo gubernativo.
La UP se ha caracterizado por desarrollo de su compañía de teatro. Además, cuenta con su propio teatro y gimnasio deportivo.
La carrera de modas es bastante reciente. Se estructuró en base a tres años lectivos y tiene categoría de tecnicatura. Algunos de sus cursos van enfocados al diseño de vestuario escénico. 
Sitio web UP

Intecap

El Instituto Técnico de Capacitación y Productividad (Intecap) nació en 1955 bajo el nombre de Centro Guatemalteco para el Desarrollo Industrial y con el paso del tiempo se convierte en el Centro nacional de desarrollo, adiestramiento y productividad en 1969 cuya junta directiva se encuentra integrada por miembros de la entidad privada y estatal, así como del esctor laboral.

El objetivo de esta entidad es brindar una formación básica a fin de insertar a los estudiantes en diversas empresas, en varios sectores.

Cuenta con varias sedes tanto en la capital como en el area rural, sin embargo, las casas de estudios de la capital se encuentran ubicadas en zonas de alta peligrosidad delincuencial, a excepción de los centros de zonas 5 y 10. Las tarifas son bastantes accesibles para personas de las clases bajas.

Ofrece el Técnico en Diseño Industrial del Vestuario, con cursos muy elementales. La duración de la carrera es de año y medio. También imparten cursos de corta duración como los de modista, sastre, análisis de la moda (tendencias) y, mercadeo y vitrinaje.
Sitio web Intecap

Eduardo Figueroa presentará colección en Costa Rica

Eduardo Figueroa es uno de los diseñadores de moda guatemaltecos más respetados y queridos en el país. Su trabajo a lo largo de más de diez años es una constante evidencia de su creatividad implantada en cada colección.

Foto: Eduardo Figueroa / MBFGuatemala. Eduardo Figueroa junto a sus modelos cuando presentaba su colección Sik'inelab
 
Muchos de sus diseños incluyen elementos artesanales mayas, así mismo se distingue por el uso de diversos colores, contemporaneidad y minimalismo.

Dentro de los reconocimientos a su labor podemos citar el Revista Amiga Fashion Show en el 2011, el Manzana Marketing en el 2013 y más reciente el premio al Diseñador del Año, durante el Mercedes Benz Fashion Guatemala 2016.

Y es precisamente éste último galardón el que valió la oportunidad de formar parte de la quinta edición del Mercedes Benz Fashion San José, donde participará junto a otros colegas extranjeros. Dicho evento cobrará vida del 2 al 5 de agosto próximo en el Hotel Real Intercontinental en Escazú, Costa Rica. Al respecto, les dejo las impresiones de Figueroa en ésta pequeña entrevista.

Gacetilla de la Moda: ¿Cómo surge la invitación para participar en el MBFW San José?

Eduardo Figueroa: La invitación surge al ser reconocido como Diseñador del Año 2016 por Mercedes Benz Fashion Guatemala, es parte del intercambio entre las organizaciones de Guatemala y Costa Rica .

G M: ¿Qué significa para usted?

E F: Para mí es un gran honor poder ser parte de este evento en Costa Rica, estoy muy emocionado.

G M: ¿Presentará una colección específica para las ticas o para la mujer en general?

E F: La colección que voy a presentar es una extensión de la colección Sik'inelab ("mensajeros" en idioma Maya)  por la cual me dieron el reconocimiento, que consta de piezas hechas con textiles regionales y diferentes texturas, así como también trabajos en mostacilla realizados por artesanas indígenas de varias comunidades del occidente del país.

G M: ¿Había pensado en la posibilidad de internacionalizarse?

E F: Siempre va de la mano el sueño que mis diseños se puedan ver en otros países, y ahora voy a tener la oportunidad de hacerlo, ya es un paso para empezar a internacionalizarse.

G M: ¿Cómo ve la moda en Centro América?

E F: Veo que la moda en Centro América va creciendo y hay muy buenas propuestas y mucho talento, vamos a seguir trabajando para que la región se convierta en un referente de moda a nivel internacional

G M: ¿Hay retos como diseñador latino, cuáles?

E F: Hay muchos retos como diseñador en general, ahora como diseñador latino, como Latinoamérica hemos sido considerados como una  fuente de mano de obra únicamente y no como verdaderos creativos, esto es un reto que todos los diseñadores latinoamericanos tenemos que sobrepasar y demostrarle al mundo que nuestra región tiene mucho que ofrecer.

Fotos: Eduardo Figueroa / MBFGuatemala. Colección Sik'inelab. La chaqueta negra cuenta con una representación miniatura de los barriletes de Guatemala. El abrigo de lana es una adaptación de los ponchos típicos del altiplano del país y el vestido cuenta con un detalle en el escote destacado por un textil maya.
  
* Está previsto que Figueroa participe el sábado 5 de agosto junto a la británica Valerie Goode con su marca Kitty Ferreira UK y Pilar Sáinz de España.

* En los días anteriores presentarán sus diseños la nicaragüense Shantall Lacayo, los mexicanos Kris Goyri y Alfredo Martínez. Además de los colombianos Karen Daccarett y Francisco Leal, con su marca Leal Daccarett.

*La pasarela local mostrará las creaciones de Fabrizzio Berrocal, Cinthia Monge, Consuelo Melo, Rob Chamaeleo, Daniel Moreira, Jennifer Lang, Alexa Barzuna y María José Castro.

La portada de la discordia

Hace unos días la revista Look publicó su edición de julio 2017 y su portada generó opiniones tanto a favor como en contra debido a un posible toque racista.

A raíz de lo sucedido Look ofreció disculpas en un comunicado y cambió la portada. ¿Realmente ésto era necesario?

El grupo a favor aludió no ver racismo alguno. Los en contra aseguraron que sí por resaltar a la protagonista de un reportaje, cuyo aspecto es bastante extranjero, y dejar en segundo plano a unas mujeres mayas.

 fotos Look Magazine, iz. portada original, dr. nueva portada


Lamentablemente, los comentarios se fueron mas allá de una opinión respetuosa y como sucede en las redes sociales, hay quienes creen que tienen el derecho de insultar.

Y más lamentable, algunos columnistas de medios locales como el caso de Relato (Trejo y Godoy), expresaron su punto de vista lejos de los buenos modales y del profesionalismo que debe primar en el periodismo.

El artículo de opinión más cercano a lo objetivo salió del diario digital Nómada, haciendo un análisis del lenguaje visual desde la perspectiva del diseño gráfico, explicando que pudo haber un error involuntario que denotara racismo.

¿Error o falta de experiencia?

La protagonista de la portada es Francesca Kennedy, de nacionalidad mixta (guatemala-E.E.U.U.), quien a través de su marca IX Style ha ayudado a una comunidad maya de 600 artesanas del lago de Atitlán.

Kennedy no es modelo, la locación elegida para la sesión de fotos es Antigua Guatemala y no el lago. La fotografías que acompañan el reportaje son parte de un concepto que Look viene realizando con aires editoriales, pero no es un editorial de moda propiamente.

Las imágenes destacan básicamente a Kennedy, empero se habla de una comunidad maya y de su trabajo. Desde el punto de vista periodístico era necesario ilustrar las artesanías de éstas mujeres, así como a ellas mismas en su lugar de labores.

Ahora bien, la industria de la moda en general ha sido un tanto racista. Es decir, hay muy pocas modelos de piel oscura, morena, de facciones asiáticas, o bien, latinas.

En la actualidad vemos como el prototipo de la mujer ultra flaca andrógina y alta es la que predomina en las pasarelas.

El ejemplo de Vogue
Durante el último decenio, Vogue de varios países ha resaltado la belleza (con mucho respeto) de los pueblos incas. Si pueden observar las fotografías, los diferentes planos se incorporan cómodamente con el tratamiento de la luz y del color. Así mismo sucede con los personajes y los paisajes.

En resumen, las fotografías forman una composición integrada, bien estudiadas. En algunas, las modelos posan en solitario luciendo a veces trajes típicos. 

Fotos de Mario Testino para Vogue Francia, edición abril 2013

Fotos de Michael Filonow para Vogue México y A. L., edición agosto 2011

Foto de Mario Vivanco para Vogue Rusia, edición 2012

Foto de Mario Testino para Vogue Británica, edición marzo 2008

Foto de Alexander Neumann para Vogue Korea, edición julio 2012
 
Las revistas de moda locales

La revista en cuestión basa su contenido en la moda, no sorprende que manejen la imagen así, no es justificarles. No obstante, han tenido puntos a favor, por lo que la teoría del error tiene más peso.

Tiempo atrás, resalté el hecho de que Look puso el rostro de una mujer indígena en portada con un bonito reportaje en abril 2016.

A lo largo de varias ediciones publicaron su versión de la historia de la moda ofreciendo información sobre el telar indígena, el origen de los trajes típicos paralelo a la vestimenta de los conquistadores hasta nuestros días.

La revista Amiga, que es parte de Prensa Libre (el medio de mayor circulación en el país) no ha publicado nada igual. Hasta el momento siguen colocando en portada mujeres que se alejan del aspecto multiracial de la mujer guatemalteca.

Así mismo, el problema se extiende al resto de medios de comunicación. Los presentadores de televisión, por lo general, no tienen rasgos mayas. Los reporteros rasos, en su mayoría sí.

Los medios de comunicación que dependen de la publicidad tienden a desprenderse de la objetividad para favorecer los intereses de los anunciantes, por lo que eso determina la línea editorial de cada medio.

Un país dividido
Otro aspecto son los certámenes de belleza tanto señorita Guatemala como la candidata para señorita Universo y Mundo tampoco incluyen a una mujer maya.

Ejemplos de exclusión y rechazo, los hay tanto desde aspectos raciales como de género, socioeconómicos, políticos y más. Pueden ser involuntarios o no.

Lo cierto es que los mayas de hoy siguen siendo despreciados, sus atuendos han sido menospreciados y pese a la influencia española en los trajes típicos, estos resultan hermosos.

Estas vestimentas han sobrevivido como símbolo de la resistencia maya, así como sus idiomas y su cultura en general.

El tema del racismo en Guatemala es muy profundo y delicado de abordar y comprender. Tiene sus cimientos desde tiempos coloniales y se mantiene vigente.

Pero más que un marcado racismo indiscutible, el problema es la alienación que no permite tener identidad propia como país.

El destacado sociólogo guatemalteco Carlos Guzmán Böckler en su libro Guatemala: una interpretación histórico-social (publicado desde 1970 junto a su colega Jean-Loup Herbert) explicaba la pobreza del ladino en su capacidad de expresión respecto a su lengua (el castellano), el cual tiende a deformar intercalando términos en inglés.

 "Somos un pueblo sin proyecto colectivo", C. G. Bökcler

La moda según Susana Saulquin

Es la madrina de la moda argentina, visionaria y creativa. Se considera así misma de pensamiento independiente. Es la pionera de la Bafweek y de la carrera de modas de la Universidad de Buenos Aires  (UBA), entre otros grandes proyectos.

              foto Fábrica-diseño e innovación. Saulquin durante su visita a la comunidad de diseño Fábrica.

Para esta reconocida socióloga de la moda el pensamiento del siglo XXI es la sustentabilidad. El cuidado de los recursos naturales y humanos nos está inclinado hacia la importancia de "ser".

Al buscar nuestra propia identidad individual la producción en serie dejará de tener un lugar privilegiado, aunque continuará.  Esto siginifica que el sistema de la moda actual puede haber comenzado a desarticularse.

En su libro Política de las apariencias, Saulquin explica que una de la causas por la que están sucediendo estos cambios se debe a la consolidación de una sociedad orientada y digitada por las individualidades, pero no por un narcisismo.

Destaca la importancia que están adquiriendo las redes sociales en la forma de estar y percibir el mundo.

Sin embargo, la identidad individual necesita apoyarse y organizarse en grupos unidos por una filosofía y estilos de vida comunes.

El estilo, explica, es como una etiqueta de identificación y se configura con la consolidación de la identidad. Vamos de la imitación a lo personalizado. Entonces el estilo cobrará más importancia y generará cambios en las movitaciones para vestir.

Por ello la trascendencia de "ser", el cual está integrado en un trinomio de la identidad: lo que soy, lo que quiero ser (lo aspiracional) y cómo los demás me ven, indica.

Ser sin elitismo

En entrevistas dadas anteriormente a diversos medios, Saulquin, señaló que tanto el diseño de autor y lo sustentable son caros por lo que se convierte en un lujo.

Pero hay vías para bajar los costos, explica. Se puede apostar por los colectivos de diseño. El cambio igual se viene, la sociedad lo necesita para su superviviencia.

La diferenciación social seguirá existiendo, pero Saulquin ve en la élite otras formas de mostrar como el teléfono celular, el auto, etc., es decir, exhibir un estilo de vida.

Por otro lado, ve positiva la plataforma de los "blogs" por la proyección de identidad que se apecia.  Es otra forma de comunicar la moda que ha cobrado protagonismo.

Pero hay un alto riesgo de estandarizarse, puntualiza. Y es que muchos "bloggers" han dejado de "ser" a cambio de convertirse en pautas publicitarias.

Ya no es secreto que las grandes marcas les regalan algunos productos o bien les pagan directamente para que las promocionen, asistan a los desfiles y hagan comentarios positivos.

En América Latina
La importancia de "ser" incluye a toda América Latina para que deje de ser la fábrica de Estados Unidos y Europa. Considera que la mejor opción es la búsqueda de la identidad propia como región e individuos.

"Necesitamos crear hibridación cultural, es decir, mezclar lo local con lo global. Debemos trabajar con nuestro color y nuestras texturas y materiales, pero con diseños universales, que se puedan llevar en París, en Londres, en Nueva York", declaró a la revista chilena Mujer en 2010.

Enfatizó que las semanas de la moda pueden llegar a ser muy onerosas y no se promueve la identidad local con tantas propuestas. Por ello, enmarca el caso de Sao Paulo donde sí se está apoyando la moda de autor.

El problema de llamar Alta Costura a todo

Guatemala es considerado un país subdesarrollado por sus bajos niveles de acceso a educación, salud, etc. En la moda también se queda atrás, cuando se califica como Haute Couture a cualquier cosa.

A inicios de este mes, una de las revistas de moda local hizo referencia a la más reciente colección crucero de Chanel 2018 asegurando que es de inspiración italiana...¿ha leído bien?, ¡italiana!.

Karl Lagerfeld pondría el grito en el cielo al ver que la Antigua Grecia se convirtió en Italia. Son errores que le restan credibilidad y profesionalismo a esos medios.

Guatemala siempre ha tenido que ver la moda desde lejos y asimilarla con lo que tenga al alcance. Y eso se refleja en la interpretación y comprensión de la moda.

Apenas algunas marcas estadounidenses, latinoamericanas, españolas y de otros lejanos lugares son las que lideran el flujo comercial de la moda junto a la economía informal.

El listo-para-vestir de las firmas de la moda de lujo, solamente se aprecian en maquillaje, fragancias y gafas de sol. Los bolsos y demás accesorios circulan en el mercado negro de la piratería.

Ahora bien, Guatemala ya cuenta con sus propios diseñadores, pero no son de Alta Costura, si nos enmarcamos en la definición puramente francesa, de donde se origina el concepto.
 
La crème de la crème chapina se ha vestido con prendas compradas en el extranjero, pero no necesariamente de París. Estados Unidos es uno de los destinos favoritos, ya sea Miami o Nueva York y lo que allá se encuentra es prêt-à-porter.

En el siglo anterior existieron algunos de la elite pudiente guatemalteca quienes montaron pequeños talleres de moda dedicados a su mismo círculo social, posiblemente el que más resonancia tuvo fue Francisco Camacho, pero no fue Alta Costura.

Pero ¿Qué es la Haute Couture?

La traducción literal es Alta Costura. Es un término protegido legalmente por el gobierno francés desde 1945.

Esto significa que ningún diseñador puede usar ese adjetivo para definir su trabajo y publicitarlo si no forma parte ni cumpla con las reglas de la Federación Francesa de la Costura.

Las normas son el tener el taller de costura en París, 20 trabajadores a tiempo completo como mínimo, presentar anualmente dos colecciones de al menos 25 conjuntos cada una, que incluyan atuendos de día y de noche.

La elaboración de las prendas debe realizarse enteramente a mano y a medida. Las casas deben contar con dos talleres base, el de sastrería y de modistería. 

                                       Foto Google. Uno de los talleres de la Casa Dior

Se deben realizar varias pruebas de tallado con la clienta, por lo que previamente se debe hacer la "muselina", es decir, un molde en tela.

Los talleres de bordados, arte plumario y otros, suelen ser independientes y reciben encargos de diversas casas de moda. Cabe reiterar que su trabajo debe ser manual y de excelencia.

Las piezas de Costura requieren la toma de muchas medidas del cuerpo de la clienta, si se trata de una consumidora regular se realiza un torso-maniquí con sus medidas personales. Se necesitan meses de trabajo para concluir un atuendo.

Todo esto y la exclusividad suman a la hora de valuar la prenda. Por lo general, los precios oscilan desde los US$50,000 a US$300,000 de acuerdo con declaraciones dadas a la  BBC en 2015 por Valerie Steele, directora del Museo del Instituto de Moda y Tecnología de Nueva York.

En Guatemala, los atuendos de diseñador más costosos han alcanzado los Q. 20,000 (US$2,800 aprox.). Tristemente se tiene la percepción que esta disciplina se refiere únicamente a vestidos de noche y novia.

Pero la auténtica Haute Couture es más que prendas a medida, diseños exclusivos y tejidos hermosos. Harold Koda y Richard Martin del Museo Metropolitano de Nueva York han expresado que "la Alta Costura representa la fusión  de la moda - la identidad moderna que combina la novedad y la sinergia con las necesidades  sociales y personales - y el vestido, el arte de la modistería, sastrería y artesanía de accesorios y complementos del indumento".

                                        fotos Google. Dior 2007, Armani Privé 2014 y Chanel 2016
 
Se trata de la máxima expresión de las habilidades manuales del hombre con un profundo lirismo. Es delicada literatura narrada en prosa o verso, que entra por los ojos y se expande por la piel, capaz de acariciar el alma. Un placer destinado a quienes se lo pueden permitir.

Para las clientas, la Alta Costura es una especie de club exclusivo que marca su diferencia social respecto al resto, donde van a ser tratadas con esmero, reciben atención individualizada y serán complacidas. Ellas mismas saben apreciar el trabajo y la calidad de la prenda, por lo que no escatiman a la hora de pagar.

En la actualidad, este selecto grupo lo conforman mil consumidoras al rededor del mundo. Si la clienta vive fuera de París y necesita que le tallen el atuendo en su residencia, son delegados de los talleres los que tienen que desplazarse  a cumplir con ese deseo, así de exclusivo es.

La Alta Costura sin duda refleja un alto nivel de creatividad y calidad, pero también ese savoir-faire que la envuelve y la distingue. En el pasado gozó de su era dorada, sin embargo conforme el listo-para-vestir ha ido escalonando en la cima, su concepto se ha hecho más abstracto y complejo de comprender para las sociedades que no han tenido relación directa con ella como el caso de Guatemala.


Fotos Google. Iconicos diseños de Dior, Chanel e Yves Saint Laurent
 
Desde hace unas décadas la Alta Costura ha dejado de producir grandes beneficios económicos, pero es una excelente plataforma para posicionar las firmas e incrementar las ventas de accesorios, maquillaje, perfumería y la línea listo-para-vestir.

Y aunque la Ciudad Luz ya no es la única en dictar la moda, sigue siendo importante y conserva su autoridad en la materia siendo sinónimo de prestigio.

Es que la Alta Costura parisina no se limita a creativos franceses, le ha abierto las puertas a extranjeros, como Balenciaga, Valentino, Versace, Armani, Elie Saab, entre otros.

Incluso, fuera de toda regla Iris Van Herpen se ha presentado en la alta pasarela, pese a trabajar con 3D y en pequeñas colecciones. Se lo ha ganado por su extraordinario nivel creativo.


fotos Google. Valentino 2012, Jean Paul Gaultier 2017 y Bouchra Jarrar 2014
 
El milagro italiano

Solamente Italia pudo incursionar con éxito en su propio territorio, en la misma categoría bajo el nombre Alta Moda.

                      Foto Google. Audrey Hepburn en una creación de las hermanas Fontana.

El Palacio Pitti fue testigo del nacimiento de grandes nombres como Emilio Pucci, las hermanas Fontana, Roberto Capucci, el clan Missoni y Valentino Garavani, entre muchos otros talentos. La Ciudad Eterna acogió los talleres de la bien cualificada alta costura italiana que atrajo la atención de las estrellas del cine internacional.

Sin embargo, durante la séptima década del siglo XX la moda industrial se hizo más presente y muchos modistos se trasladaron a Milán creando el "made in Italy", el centro de la moda más importante del país.

La Alta Costura necesita de un ojo refinado para poder ser apreciada, es lo mismo que un espléndido oído para la música clásica.

¿Y Guatemala, tiene alguna opción?

Ningún país está exento de crear piezas de Alta Costura, pero los diseñadores deben tener claro lo que implica dedicarse a ese sector de la moda y demostrar un control absoluto del corte, las técnicas y creatividad para poder llamar la atención de París y ganar prestigio.

Entre los latinos que han tenido el privilegio de ser invitados a la Semana de Alta Costura parisina, puedo citar dos claros ejemplos: el mexicano Antonio Ortega quien este año será la sexta ocasión que participa y el argentino Gabriel Lage quien ha estado presente en dos oportunidades.

Honestamente, las mujeres pudientes guatemaltecas no están dispuestas a invertir sumas exorbitantes para sus vestuarios. La liliputiense industria de la moda chapina debe saber direccionarse para encontrar su camino.